La espectacular exposición del Costume Institute del Metropolitan Museum of Art de Nueva York reúne cerca de 400 piezas para demostrar que el vestido no solo cubre el cuerpo: lo interpreta, lo transforma y cuenta nuestra historia.

 

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¿En qué momento una prenda deja de ser simplemente moda y se convierte en arte?

Con esa pregunta en mente recorrí finalmente Costume Art, la espectacular exposición del Costume Institute del Metropolitan Museum of Art de Nueva York, una muestra que había querido visitar desde su inauguración y que, por razones profundamente personales, fui posponiendo durante meses.

El día de su apertura, en mayo, ocurrió algo que cambió por completo aquella jornada que debía estar dedicada a la moda. Fue el día en que murió mi querida amiga y colega Yolaine Díaz, en el trágico incendio ocurrido en el Alto Manhattan.

Yolaine había sido parte del equipo de People en Español durante muchos años, pero nuestra historia juntas había comenzado mucho antes, cuando llegó como mi interna. Con el tiempo creció profesionalmente, se convirtió en compañera y, sobre todo, en una querida amiga con quien compartí innumerables momentos alrededor de la moda.

Nunca olvidaré aquel día. Era uno de esos días perfectos de primavera en Nueva York, luminoso, hermoso, de esos que invitan a celebrar la ciudad. Un día que normalmente habría estado lleno de conversaciones sobre el Met, vestidos, diseñadores y nuestras inevitables listas de favoritas.

Pero todo pasó a un segundo plano. Aquel día quedó en blanco. Solo quedaron la angustia, la incredulidad y el inmenso dolor de la tragedia que estábamos viviendo.

Por eso fui posponiendo mi visita. Tuvieron que pasar varios meses hasta que reuní el ánimo para entrar finalmente a esas galerías.

Y quizá no fue casualidad que Costume Art terminara hablándome precisamente de algo mucho más profundo que vestidos extraordinarios. Porque esta exposición habla del cuerpo, de la vida, de la belleza, del paso del tiempo y también de nuestra propia mortalidad.

Así que este recorrido, y este exquisito encuentro con el arte y con la moda que Yolaine tanto disfrutó, se lo dedico a ella.

El cuerpo como una obra de arte

Costume Art propone una manera fascinante de mirar aquello que llevamos puesto. Aquí los vestidos no aparecen aislados en vitrinas. Dialogan con pinturas, esculturas, objetos arqueológicos y obras pertenecientes a diferentes departamentos del museo, creando conexiones que atraviesan siglos e incluso milenios de historia.

Esta exposición reúne cerca de 400 objetos y marca además la inauguración de las nuevas Condé M. Nast Galleries, casi 12.000 pies cuadrados dedicados a las exposiciones de moda y ubicados junto al Great Hall del Met.

La idea de Andrew Bolton, curador a cargo del Costume Institute, es tan sencilla como poderosa: colocar la moda dentro de la historia del arte y devolver el protagonismo a aquello sin lo cual ninguna prenda tiene sentido: el cuerpo.

En lugar de organizar el recorrido cronológicamente o alrededor de los grandes nombres de la moda, Bolton lo construye a partir de diferentes maneras de representar el cuerpo. Aparecen conceptos como el cuerpo clásico, el cuerpo desnudo, el cuerpo anatómico, el cuerpo embarazado, el cuerpo envejecido y el cuerpo mortal.

Algunos de ellos, como el desnudo o el cuerpo clásico, han sido celebrados durante siglos por la historia del arte. Otros, como el cuerpo envejecido, embarazado o alejado de los cánones tradicionales de belleza, han tenido mucha menos representación.

Y es precisamente allí donde Costume Art se convierte en mucho más que una exposición de vestidos extraordinarios. Habla de edad, talla, género, discapacidad e ideales de belleza. Y de cómo la ropa puede esconder, revelar, exagerar, proteger o incluso reinventar nuestra anatomía.

Fortuny: convertir el cuerpo en escultura

Una de las piezas que quería encontrar desde antes de llegar era el legendario Delphos de Mariano Fortuny, creado en los años veinte.

Su maravilloso plisado de seda cae verticalmente sobre el cuerpo y aparece relacionado con una pequeña figura griega de Nike, personificación de la victoria, del siglo V a. C. Separados por más de dos mil años, vestido y escultura parecen hablar el mismo idioma.

La tela se convierte casi en arquitectura y el cuerpo vestido adquiere las proporciones y el movimiento de una figura clásica. Es uno de esos momentos en los que se entiende perfectamente la premisa de la exposición: un diseñador también puede modelar el cuerpo como lo hace un escultor.

Cuando la moda cambia nuestra anatomía

Otro diálogo imprescindible es el de Comme des Garçons. Rei Kawakubo lleva décadas cuestionando la idea de que una prenda deba obedecer las proporciones consideradas “correctas” del cuerpo. Uno de sus diseños de 1997 aparece relacionado con Figure in Rotation, de Max Weber, de 1917.

Aquí la moda ya no intenta simplemente embellecer la anatomía. La reconstruye.Volúmenes inesperados y proporciones deliberadamente alteradas nos obligan a preguntarnos por qué aceptamos determinadas siluetas como bellas y otras como extrañas.

Y esa pregunta atraviesa buena parte de la exposición: ¿quién decidió cómo debe verse el cuerpo perfecto?

Margiela: cuando la tela y el mármol hablan el mismo idioma

Otro de los encuentros más bellos es el de un diseño de John Galliano para Maison Margiela, de la colección de alta costura otoño/invierno 2020-21, con The Veiled Woman, la extraordinaria escultura de Raffaelle Monti de 1854.

Aquí vale la pena detenerse. En un lado está el mármol; en el otro, la tela. Dos materiales completamente diferentes capaces de producir una sensación semejante de transparencia, movimiento y fragilidad.

Más de siglo y medio separa ambas creaciones, pero al colocarlas juntas desaparece el tiempo. Quedan simplemente dos artistas transformando la materia alrededor del cuerpo humano.

Vestir lo que llevamos por dentro

Una de las partes que más me impactó durante mi visita fue la dedicada al cuerpo anatómico.

Corazones, venas, órganos y estructuras internas aparecen convertidos en bordados, estampados y construcciones textiles. Un espectacular vestido negro recorrido por ramificaciones rojas parece hacer visible el sistema circulatorio. Otro reproduce directamente sobre la tela aquello que normalmente permanece escondido bajo nuestra piel.

Y de pronto nuestra anatomía se convierte en ornamentación. Uno de los diálogos más impactantes aparece con un vestido rojo plisado colocado junto a una obra dominada por un enorme corazón y sus vasos sanguíneos. No hace falta siquiera leer la explicación para comprender la conversación entre ambos.

El cuerpo deja de ser únicamente el soporte del vestido y se convierte en su inspiración. Y para mí, después de la razón personal por la que había tardado tanto en visitar esta exposición, contemplar corazones, anatomía y vida convertidos en arte tuvo inevitablemente otra dimensión.

El cuerpo real también merece estar en un museo

Quizás una de las ideas más contemporáneas de Costume Art sea cuestionar qué cuerpos hemos decidido históricamente que merecen ser representados.

El cuerpo joven, desnudo, proporcionado e idealizado aparece una y otra vez en la historia del arte occidental.

Pero ¿qué ocurre con el cuerpo que envejece? ¿Con el que cambia de talla? ¿Con el cuerpo embarazado? ¿Con aquel que no corresponde al canon tradicional?

Bolton los coloca deliberadamente dentro de la misma conversación.Y al hacerlo cuestiona también una industria de la moda que durante demasiado tiempo construyó buena parte de sus imágenes alrededor de un único ideal de belleza.

Para quienes hemos trabajado durante tantos años contando la moda, esa reflexión resulta especialmente poderosa. Porque también nosotros hemos visto cambiar esos códigos.

Mirarnos dentro de la exposición

Hay además un detalle extraordinario en la museografía. Muchos de los maniquíes tienen rostros realizados en acero pulido, concebidos por la artista Samar Hejazi como superficies reflectantes.

Cuando uno se acerca para observar una prenda, termina encontrándose a sí mismo. No es simplemente un recurso decorativo.

Mientras contemplamos el cuerpo clásico, el envejecido, el anatómico, el desnudo o el idealizado, nuestro propio reflejo aparece dentro de la exposición. Y entonces entendemos algo fundamental: ninguno de estos temas pertenece únicamente a un museo.

Todos habitamos un cuerpo. Un cuerpo que cambia, envejece, siente, recuerda y algún día desaparece. Y todos utilizamos la ropa, consciente o inconscientemente, para contar algo sobre él. 

Cinco mil años separados por unos cuantos pasos

Eso es quizá lo más emocionante del recorrido. Puedes estar frente a un vestido contemporáneo y, apenas unos pasos después, contemplar una escultura romana, una figura griega o un retrato del siglo XIX y descubrir que todos están planteando preguntas sorprendentemente parecidas.

¿Cómo queremos que nos vean?

¿Qué consideramos bello?

¿Qué escondemos?

¿Qué mostramos?

¿Y cuánto puede transformar una prenda la percepción de nuestro propio cuerpo?

El Met convierte esas preguntas en una conversación visual que va de lo estético a lo profundamente humano. Y entonces uno comprende que, aunque cambien las épocas, los materiales y los ideales de belleza, seguimos utilizando el arte y la ropa para intentar responder a una pregunta antiquísima:¿Quiénes somos?

La moda también es arte

Salí de Costume Art convencida de algo que, después de tantos años dedicada a este mundo, quizá siempre he sabido: la moda no solo viste el cuerpo. Lo interpreta, lo transforma y cuenta nuestra historia.

Una gran prenda contiene proporción, color, técnica, oficio, imaginación y emoción. Muchos de los mismos elementos que buscamos cuando nos detenemos frente a una pintura o una escultura.

Y quizás allí esté la respuesta a la pregunta con la que comencé este recorrido. Sí, la moda puede ser arte. Con una maravillosa diferencia: el arte lo contemplamos… pero la moda podemos llevarla puesta.

Al salir de Costume Art pensé inevitablemente en Yolaine. Pensé en aquella joven que un día llegó como mi interna y que terminó convirtiéndose en una querida compañera del equipo de People en Español, y en una amiga con quien compartí tantos años, tantas historias y tantas conversaciones sobre moda.

Pensé en cuánto habría disfrutado esta exposición, caminando por estas salas, descubriendo las conexiones entre un vestido y una escultura, opinando sobre cada pieza y haciendo, como tantas veces, nuestras propias listas de favoritas.

Por eso este recorrido terminó siendo para mí mucho más que una visita a una exposición de moda.

Fue también una celebración de la amistad, la memoria y de aquellas personas que dejan una huella tan profunda que continúan acompañándonos en la manera en que miramos y disfrutamos las cosas que amamos.

Para ti, Yolaine.

 

Con cariño… Kika

 

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Costume Art: When Fashion Becomes a Work of Art

The spectacular Costume Institute exhibition at The Metropolitan Museum of Art in New York brings together nearly 400 objects to show that clothing does more than cover the body: it interprets it, transforms it, and tells our story.

 At what point does a garment stop being simply fashion and become art?

With that question in mind, I finally walked through Costume Art, the spectacular exhibition at the Costume Institute of The Metropolitan Museum of Art in New York—an exhibition I had wanted to see since it opened, but for deeply personal reasons had postponed for months.

On the day it opened in May, something happened that completely changed what should have been a day devoted to fashion. That was the day my dear friend and colleague Yolaine Díaz died in the tragic fire in Upper Manhattan.

Yolaine had been part of the People en Español team for many years, but our story together had begun long before, when she first came to work with me as my intern. Over time, she grew professionally, became a colleague and, above all, a dear friend with whom I shared countless moments surrounding the world of fashion.

I will never forget that day. It was one of those perfect New York spring days—bright, beautiful, the kind of day that makes you want to celebrate the city. Under normal circumstances, it would have been filled with conversations about the Met, designers, dresses, and our inevitable lists of favorites.

But suddenly none of that mattered. That day became a blur. There was only anguish, disbelief, and the immense pain of the tragedy we were living through.

And so, I kept postponing my visit. Several months had to pass before I found the courage to finally walk into those galleries.

Perhaps it was no coincidence that Costume Art ultimately spoke to me about something far deeper than extraordinary clothes. Because this exhibition is about the body, life, beauty, the passage of time—and also our own mortality.

So, this journey, and this exquisite encounter with art and fashion, which Yolaine loved so much, I dedicate to her.

The Body as a Work of Art

Costume Art proposes a fascinating new way of looking at what we wear. Here, garments do not appear isolated inside display cases. They enter into dialogue with paintings, sculptures, archaeological objects, and works from different departments throughout the museum, creating connections that span centuries—and even millennia—of history.

The exhibition brings together nearly 400 objects and also marks the opening of the new Condé M. Nast Galleries, almost 12,000 square feet devoted to fashion exhibitions and located near the Met’s Great Hall.

The idea conceived by Andrew Bolton, curator in charge of the Costume Institute, is as simple as it is powerful: to place fashion within the history of art while returning the spotlight to the one thing without which no garment can truly exist: the body.

Rather than organizing the exhibition chronologically or around fashion’s greatest names, Bolton structures the journey around different ways of representing the body.

There is the classical body, the naked body, the anatomical body, the pregnant body, the aging body, and the mortal body.

Some, such as the nude and the classical body, have been celebrated throughout centuries of art history. Others—including aging, pregnant, disabled, or nontraditional bodies—have historically received far less representation.

And this is precisely where Costume Art becomes much more than an exhibition of extraordinary clothes. It addresses age, size, gender, disability, and ideals of beauty—and explores the ways clothing can conceal, reveal, exaggerate, protect, or even reinvent our anatomy.

Fortuny: Turning the Body Into Sculpture

One of the pieces I wanted to find even before arriving was the legendary Delphos gown by Mariano Fortuny, created in the 1920s.

Its magnificent pleated silk falls vertically along the body and is presented in dialogue with a small Greek figure of Nike, the personification of victory, dating from the fifth century B.C.

Separated by more than two thousand years, the dress and the sculpture seem to speak the same language. Fabric becomes almost architectural, while the dressed body takes on the proportions and movement of a classical figure.

It is one of those moments when the premise of the entire exhibition suddenly becomes perfectly clear: a designer can sculpt the body just as a sculptor does.

When Fashion Changes Our Anatomy

Another essential dialogue involves Comme des Garçons. For decades, Rei Kawakubo has challenged the notion that a garment must conform to what we consider the “correct” proportions of the human body. One of her 1997 designs is presented in relation to Max Weber’s 1917 Figure in Rotation.

Here, fashion is no longer simply attempting to flatter the anatomy. It reconstructs it.

Unexpected volumes and deliberately altered proportions make us question why we accept certain silhouettes as beautiful and perceive others as strange.

And that question runs throughout much of the exhibition: Who decided what the perfect body is supposed to look like?

Margiela: When Fabric and Marble Speak the Same Language

Another of the exhibition’s most beautiful encounters brings together a John Galliano design for Maison Margiela, from the Fall/Winter 2020–21 haute couture collection, and Raffaelle Monti’s extraordinary 1854 sculpture The Veiled Woman.

This is a moment worth lingering over. On one side, marble; on the other, fabric. Two entirely different materials capable of creating a remarkably similar sensation of transparency, movement, and fragility.

More than a century and a half separates the two creations, yet when they are placed together, time seems to disappear. What remains are simply two artists transforming material around the human body.

Wearing What Lies Beneath

One of the sections that affected me most during my visit was devoted to the anatomical body.

Hearts, veins, organs, and internal structures are transformed into embroidery, prints, and textile constructions. A spectacular black dress traced with branching red lines seems to reveal the circulatory system. Another reproduces directly on the fabric what normally remains hidden beneath our skin.

Suddenly, our anatomy becomes ornamentation. One of the most striking dialogues features a dramatic pleated red gown beside a work dominated by an enormous heart and its blood vessels. You hardly need to read the accompanying text to understand the conversation taking place between the two.

The body is no longer merely the support for the garment. It becomes its inspiration.

And for me, knowing the deeply personal reason I had waited so long to visit this exhibition, seeing hearts, anatomy, and life transformed into art inevitably took on another dimension.

The Real Body Deserves a Place in the Museum, Too

Perhaps one of the most contemporary ideas in Costume Art is its questioning of which bodies we have historically decided are worthy of representation.

The young, naked, proportioned, idealized body appears again and again throughout the history of Western art.

But what about the body that ages? The body that changes size? The pregnant body? The body that does not conform to traditional standards of beauty?

Bolton deliberately places all of them within the same conversation.

In doing so, he also questions a fashion industry that, for far too long, built much of its imagery around a single ideal of beauty.

For those of us who have spent so many years telling the story of fashion, that reflection feels particularly powerful.

Because we, too, have witnessed those codes begin to change.

Seeing Ourselves Inside the Exhibition

There is also an extraordinary detail in the exhibition design. Many of the mannequins have faces made of polished steel, conceived by artist Samar Hejazi as reflective surfaces.

When you move closer to examine a garment, you suddenly find yourself looking back. It is much more than a decorative device.

As we contemplate the classical body, the aging body, the anatomical body, the naked body, or the idealized body, our own reflection enters the exhibition.

And suddenly we understand something fundamental: none of these subjects belongs exclusively inside a museum. We all inhabit a body.

A body that changes, ages, feels, remembers, and one day disappears. And all of us use clothing, consciously or unconsciously, to say something about it.

Five Thousand Years, Just a Few Steps Apart

Perhaps that is the most exciting part of the entire journey. You can stand before a contemporary dress and, just a few steps later, encounter a Roman sculpture, a Greek figure, or a nineteenth-century portrait—and discover that they are all asking surprisingly similar questions.

How do we want others to see us?

What do we consider beautiful?

What do we conceal?

What do we reveal?

And how much can a garment transform the way we perceive our own bodies?

The Met turns these questions into a visual conversation that moves from the aesthetic to the profoundly human. And you begin to understand that although eras, materials, and beauty ideals may change, we continue to use both art and clothing to answer one ancient question:  Who are we?

Fashion Is Art, Too

I left Costume Art convinced of something that, after so many years devoted to this world, perhaps I have always known: Fashion does not simply dress the body. It interprets it, transforms it, and tells our story.

A great garment contains proportion, color, technique, craftsmanship, imagination, and emotion—many of the same elements we search for when we stop to contemplate a painting or a sculpture.

And perhaps that is the answer to the question with which I began this journey. Yes, fashion can be art.  With one wonderful difference: We contemplate art… but fashion is art we can wear.

As I left Costume Art, I inevitably thought of Yolaine. I thought about that young woman who once arrived as my intern and eventually became a beloved colleague on the People en Español team—and a friend with whom I shared so many years, so many stories, and so many conversations about fashion.

I thought about how much she would have enjoyed this exhibition: walking through these galleries, discovering the connections between a dress and a sculpture, sharing her opinions about every piece and, as we had done so many times before, making our own lists of favorites.

That is why this journey ultimately became much more to me than a visit to a fashion exhibition.

It was also a celebration of friendship, memory, and those people who leave such a profound mark on our lives that they continue to accompany us in the way we see and enjoy the things we love.

 

For you, Yolaine.

 

With love, Kika